青のオーケストラ ストーリーあらすじと内容をわかりやすく解説

ヴァイオリンの弦が震えるたびに、心の奥に眠っていた青春が呼び覚まされる──。そんな体験を与えてくれるのが『青のオーケストラ』です。

天才少年だった青野一が音を捨て、それでも再び“音楽”と仲間に導かれて立ち上がる。挫折と再生、そして仲間と共に響かせる合奏の物語は、ただの音楽アニメを超えた人生のドラマそのもの。

この記事では、『青のオーケストラ』のストーリー・あらすじを、初心者にもわかりやすく丁寧に解説します。アニメ第1期の内容から第2期の最新情報、さらに原作で描かれる深層まで整理しながら、その魅力を徹底的に掘り下げていきます。

「どこまでがアニメで描かれたの？」「原作と何が違うの？」──そんな疑問を持つあなたに寄り添い、物語の核とキャラクターの想いを翻訳するように語っていきましょう。

『青のオーケストラ』の基本情報と作品背景

作品のあらすじと物語の核

『青のオーケストラ』は、阿久井真による漫画を原作とし、NHK Eテレでアニメ化された青春音楽ドラマです。主人公は、かつて「天才ヴァイオリニスト」と呼ばれながらも、父親との確執と心の傷によってヴァイオリンを捨ててしまった少年・青野一。彼が再び音楽と向き合い、仲間と共に音を重ねていく姿を描く物語は、ただの部活アニメではなく、“人間の再生”をテーマにした物語です。

舞台となるのは千葉県の名門・海幕高校オーケストラ部。そこでは個性豊かな仲間たちが集い、それぞれが音楽に懸ける想いを持ちながらも、ぶつかり合い、悩み、時に涙しながら前に進んでいきます。ストーリーの核は「合奏＝人間関係の調律」にあり、誰かと音を合わせることは、心を重ねることと同義だと教えてくれるのです。

アニメ第1期は全24話構成で、青野が秋音律子と出会い、オーケストラ部に入部し、仲間やライバルと共に定期演奏会を迎えるまでの成長が描かれました。エピソードタイトルには「ユーモレスク」「新世界より」など実際の楽曲名が使われ、音楽そのものがキャラクターの感情やドラマを象徴する仕掛けになっています。

さらに第2期は2025年10月からNHK Eテレで放送予定で、全21話構成。全国大会編という新たなステージへと物語が広がり、青野と仲間たちが「音で衝突し、音で和解する」過程が一層深く描かれます。最新OP主題歌にはGalileo Galileiが起用され、すでにファンの期待は高まっています。

こうした基本情報を押さえることで、『青のオーケストラ』という作品が“音楽”と“青春”を掛け合わせた唯一無二の物語であることが見えてきます。読者であるあなたも、登場人物の奏でる音色を自分の心のリズムに重ねながら読むと、より一層この作品の本質に触れられるでしょう。

制作スタッフと演奏キャストのこだわり

『青のオーケストラ』の魅力を支える大きな要素が、制作スタッフと演奏キャストの徹底したリアリティ追求です。監督は『暗殺教室』や『Angel Beats!』を手掛けた岸誠二。シリーズ構成は柿原優子、キャラクターデザインは森田和明と、実績あるスタッフが集結しました。アニメーション制作は日本アニメーションという老舗スタジオ。丁寧で繊細な作画によって、キャラクターの指先の動きや表情までリアルに描き出されています。

音楽面では、小瀬村晶が劇伴を担当。そして最大の特徴は、劇中演奏を実際のプロ演奏家が担っていることです。洗足学園フィルハーモニー管弦楽団（指揮・吉田行地）が演奏を務め、声優と演奏者を分ける二重構造によって、楽器の音色に宿る“生のリアリティ”がアニメに吹き込まれています。この方式はクラシック音楽を題材とする作品でも極めて珍しく、音楽とアニメーションが有機的に融合する大きな強みになっています。

また、OP主題歌には第1期でNovelbright「Cantabile」、EDにはユイカが参加する「夕さりのカノン」が起用され、物語の情感をさらに引き立てました。第2期のOPにはGalileo Galileiが参加することが決定しており、青春と音楽が交差する作品世界を音楽面からも深く支えていきます。

制作スタッフと演奏キャストが“音楽そのものを主役に据える”ために積み上げた工夫は、単なる映像作品を超え、視聴者が音の中に没入できる体験を可能にしました。これこそが『青のオーケストラ』を特別な作品にしている理由のひとつです。

作品背景を理解すると、ただ「あらすじ」を追うだけでは気づけない“響き”の深さに触れられます。青野一たちの心の震えと、現実のプロ奏者が奏でる音の震え。その二つが重なる瞬間に、私たちの胸の奥に“共鳴”が生まれるのです。

アニメ第1期『青のオーケストラ』の内容を解説

青野一と秋音律子の出会いから始まる再生の物語

アニメ『青のオーケストラ』第1期は、全24話構成で描かれました。その始まりは、かつて“天才ヴァイオリニスト”と呼ばれながらも、父親との確執や挫折によってヴァイオリンを封印していた青野一の物語です。彼の心の中は沈黙のままでしたが、転機となったのが同級生・秋音律子との出会いでした。

秋音律子は初心者であり、ヴァイオリンを上手に弾けるわけではありません。しかし、彼女の真っ直ぐで不器用な音色が、青野の胸の奥に眠っていた情熱を呼び覚ますのです。律子の“努力でしか鳴らせない音”は、青野にとって過去の輝かしさとは別の、人としての再生の音でした。

物語は海幕高校オーケストラ部への入部を通して広がっていきます。天才だった過去と初心者からの挑戦という対照的な二人が、同じ舞台で音を合わせる。その過程で描かれるのは、ただの音楽的成長ではなく、青春の中で自分を取り戻していく過程でした。視聴者は青野と律子の関係を通して、“音を鳴らすことは心を鳴らすこと”だと実感するのです。

第1話から続くこの流れは、単なる出会いのエピソードではありません。父親の影に縛られていた青野が、律子という新しい存在を通して“自分の音”を探し直す物語の序章であり、アニメ『青のオーケストラ』全体を貫くストーリーの根幹を示しています。

「誰かと音を合わせる」という行為の尊さを、最初の出会いから強く刻み込むことで、この作品は“音楽アニメ”を超えた共感と感動を観る者に届けるのです。

ライバル・佐伯直との関係とオーケストラ部の葛藤

『青のオーケストラ』第1期で忘れてはならないのが、青野一とライバル・佐伯直の存在です。佐伯は同じくヴァイオリンを弾く同級生で、冷静かつ理知的な演奏をするキャラクター。青野の感情的な音色と、佐伯の均衡を重んじるスタイルは、対照的でありながら互いに刺激し合う関係でした。

二人のライバル関係は単なる競争ではなく、自分自身を映し出す鏡のようなものです。佐伯は青野にとって「父親の影を克服するための壁」であり、佐伯にとって青野は「理屈では説明できない情熱の体現者」でした。その衝突は、オーケストラ部全体にまで影響し、部員たちの間に葛藤や緊張を生み出していきます。

また、部内でのオーディションや定期演奏会に向けた練習も描かれ、第1期のストーリーはまさに“合奏＝人間関係の縮図”となっています。練習風景は決して華やかなものばかりではなく、音程の乱れや解釈の違いによる衝突がリアルに表現され、観る者は「音を合わせる難しさ」と「だからこそ生まれる一体感」を体感することができます。

特に印象的なのは、エピソードごとに実際のクラシック曲が物語の象徴として配置されていること。ドヴォルザークの「新世界より」やドヴォルザーク「ユーモレスク」などが登場し、それぞれの曲がキャラクターの心情を映し出します。音楽がただのBGMではなく、物語を動かす“もう一人の登場人物”として機能しているのです。

アニメ第1期を通じて、青野一・秋音律子・佐伯直を中心とするオーケストラ部の人間模様は、ただの部活動を超えて“青春の群像劇”として描かれました。この葛藤と和解の物語こそが、『青のオーケストラ』の第1期を特別なものにしている理由です。

第2期アニメ『青のオーケストラ』の最新情報

放送日・話数・主題歌の詳細

『青のオーケストラ』第2期は、2025年10月5日（日）よりNHK Eテレで放送開始されることが決定しました。放送は全21話構成と公式に発表されており、第1期の全24話から続く新たな章が幕を開けます。物語は全国大会編へ突入し、部員たちがそれぞれの音楽観や信念をぶつけ合う姿が描かれる予定です。

音楽面でも大きな注目があります。第2期のオープニング主題歌を担当するのは、青春時代を彩るバンドとして支持を集め続けるGalileo Galilei。彼らの透明感あふれるサウンドは、青野一たちの葛藤と希望を音楽的に重ね合わせ、作品全体の世界観をさらに広げてくれることでしょう。第1期OP「Cantabile」（Novelbright）やED「夕さりのカノン feat.ユイカ」が作品の余韻を支えたように、第2期の音楽もまた多くのファンの心に深く刻まれるはずです。

制作スタッフは引き続き、監督・岸誠二、シリーズ構成・柿原優子、制作・日本アニメーションという盤石の体制。演奏は洗足学園フィルハーモニー管弦楽団が担当し、クラシック音楽のリアルな響きを再びアニメに吹き込んでいます。声優と実演奏キャストを分ける手法は第1期同様に採用され、アニメーションと実際の音楽の融合が高次元で表現される予定です。

公式サイトや各種ニュースサイトでも情報が続々と更新されており、ファンの期待は高まる一方。新たな楽曲やEDテーマの詳細についても、今後の発表に注目が集まっています。『青のオーケストラ』は第2期でも、「音楽が主役の青春群像劇」という唯一無二の位置をさらに強固にしていくでしょう。

放送日や主題歌の情報を押さえておくことで、第2期をスムーズに楽しむ準備が整います。視聴者にとっては、物語の展開と共に「どのような音が響くのか」を待つ時間さえも、すでにこの作品を味わうプロセスのひとつなのです。

新たに描かれる全国大会編の見どころ

第2期『青のオーケストラ』の大きな見どころは、全国大会編という新たな舞台です。第1期の定期演奏会までの流れが「合奏＝関係性の調律」をテーマにしていたのに対し、第2期ではその先にある「競争と共鳴」が描かれます。海幕高校オーケストラ部のメンバーは、全国という大舞台に挑むことで、さらに深い葛藤と成長を経験することになるのです。

全国大会に向けての練習は、ただの技術向上ではなく、それぞれの音楽観のぶつかり合いでもあります。青野一は「父親の影から解放される音」を模索し、秋音律子は「初心者から演奏者へ」という自分自身の変化を実感しながら音を重ねていきます。佐伯直とのライバル関係も、全国という大舞台で新たな意味を持ち始めるでしょう。

第2期ではまた、オーケストラ部全体の関係性も大きく描かれます。弦・木管・金管・打楽器、それぞれのパートが全国大会に向けてどう役割を果たすのか。「不協和音を超えて、ひとつの和声を生み出す」というテーマが、より鮮烈に響くはずです。

さらに、全国大会編では新しいキャラクターの登場や、他校との関わりが描かれる可能性も示されています。これは原作漫画でしか読めなかった部分に相当するため、アニメ視聴者にとっては新鮮な驚きとなるでしょう。特に全国レベルの強豪校との演奏比較は、「音楽とは何か」を問い直す強力な装置になると予想されます。

第2期の『青のオーケストラ』は、ただの続編ではありません。個人の葛藤を越えて、部全体、そして全国という大きな舞台で“合奏の意味”を問い直す物語です。放送を待つ間も、ファンとしては原作で全国大会編を先読みし、その熱量をアニメで再確認する楽しみ方もできるでしょう。

『青のオーケストラ』登場キャラクターと人間模様

主要キャラの心情と音色の表現

『青のオーケストラ』を語るうえで欠かせないのは、キャラクターたちの心情と、それぞれが奏でる音色の関係性です。主人公・青野一は“元天才ヴァイオリニスト”という過去を背負い、父親との確執によって音楽から遠ざかっていました。その心の揺れは、彼のヴァイオリンの音色に直結しています。強く、鋭く、しかし時に震えるような不安定さを帯びた音は、彼の再生の物語そのものです。

秋音律子は初心者としてヴァイオリンに向き合うキャラクター。彼女の音は決して技巧的ではありませんが、誠実で真っ直ぐ。その未熟さゆえの拙さが、逆に青野の心に響きました。律子の成長は「自分の音を持つ」というシンプルな願いに貫かれており、視聴者が共感を覚える大きな要素になっています。

そして佐伯直。彼は理性を重んじ、冷静な解釈で音楽に挑む存在。青野が感情を音に乗せるタイプであるのに対し、佐伯は理論と均衡を優先する奏者です。二人の演奏スタイルは真逆であり、だからこそ互いの存在が鏡となり、自分の音を見つめ直す契機となっています。

小桜ハルや立花静といった仲間たちも、それぞれ異なる背景や個性を持ち込み、物語を厚みのあるものにしています。強気な性格や控えめな一面、技術的な壁や精神的な迷い──それらが音色となって合奏に反映されるのが、『青のオーケストラ』の真の魅力です。

キャラクターの心情と音色がシンクロすることで、単なるドラマではなく“音楽で語られる青春”が生まれている。これが他の音楽アニメや漫画とは一線を画す理由です。

オーケストラ部全体で描かれる“合奏”の人間関係

『青のオーケストラ』の舞台である海幕高校オーケストラ部は、100人を超える大所帯。弦・木管・金管・打楽器というパートごとの役割があり、そこに人間関係の縮図が生まれます。合奏は、ただ音を揃えるだけでなく、「異なる価値観を調律する行為」でもあるのです。

練習風景では、音程のズレや解釈の違いから衝突が生まれる場面も多く描かれます。しかし、それを乗り越えて一つの音楽を作り上げる瞬間こそが、この作品の最も胸を打つシーンのひとつです。部員たちの人間模様は、まるで不協和音から和声へと移ろうクラシック音楽の進行のように描かれています。

青野や律子、佐伯といった主要キャラの物語はもちろん重要ですが、オーケストラ部全体にスポットが当たることで、「音楽は個人の技術ではなく、みんなで創るものだ」というテーマが強調されます。各パートリーダーの葛藤、初心者と上級者の温度差、目標に向けての意識の違い──そのすべてが合奏のクオリティに直結します。

特に定期演奏会や全国大会といった大舞台では、部員たちが一丸となる過程が丁寧に描かれます。観客に届ける音楽を作るために、誰かの心を無視することはできない。「一人の音が、みんなの音になる」──その真理が、このオーケストラ部の物語の中に宿っているのです。

結果として、『青のオーケストラ』の人間関係は青春群像劇としての厚みを持ち、観る者の心に“自分も誰かと一緒に奏でたい”という衝動を呼び起こします。それこそが、この作品がただの音楽アニメではなく、多くの人を惹きつけ続ける理由なのです。

原作漫画『青のオーケストラ』を読むべき理由

アニメ未放送部分と原作でしか読めない描写

『青のオーケストラ』はアニメ化によって多くのファンを獲得しましたが、その真髄を味わいたいなら原作漫画を読むことを強くおすすめします。アニメ第1期は原作の序盤から中盤にあたる部分を全24話で描き、第2期は全国大会編に突入する予定です。しかし、原作にはアニメではまだ触れられていない細やかな描写や、キャラクターの内面を深く掘り下げた場面が数多く存在します。

特に注目すべきは、巻末のおまけページや作者コメント。青野一や秋音律子、佐伯直といったメインキャラクターの“日常の顔”や、ちょっとした言葉のニュアンスが描かれており、「音楽と関係のない部分にこそキャラの素顔が宿る」ことを実感できます。こうしたエピソードはアニメ化されにくく、原作ファンだけの特権といえるでしょう。

また、アニメでは演奏シーンが映像と音で迫力満点に描かれていますが、原作漫画では逆に「静寂」と「余白」を巧みに使うことで、読者の想像力を刺激します。音のない紙面に、あえて五線譜や指の動きだけを置く──その余白があるからこそ、読者は自分の中で“音を鳴らす”体験をするのです。

アニメ未放送部分を原作で読むと、物語の厚みがさらに広がり、キャラクターたちの感情や行動の背景がより鮮明に理解できます。結果として、アニメを見直したときに新しい解釈が生まれ、作品体験が二重にも三重にも膨らんでいくのです。

「知っているつもりだった物語が、原作で読んだ瞬間に全く違う響きを持つ」──これが『青のオーケストラ』原作の持つ最大の魅力です。

巻数・最新刊・アニメとの対応表

原作漫画『青のオーケストラ』は、2017年より「マンガワン」や「裏サンデー」で連載が始まりました。2023年には小学館漫画賞を受賞し、その評価はますます高まっています。単行本は小学館から刊行されており、2025年3月時点で第12巻まで発売されています。そして2025年10月には第13巻の発売が予定されており、物語はさらに展開を深めています。

アニメ第1期（全24話）は、原作の第1巻から第6巻あたりまでを中心に構成されていました。第2期（2025年10月〜、全21話）は、第7巻以降の全国大会編が描かれる予定です。したがって、アニメを追いながら原作を読むなら、「7巻から先を読むことで第2期を先取りできる」という楽しみ方ができます。

特に第8巻以降では、全国大会に挑む海幕高校オーケストラ部の成長が詳細に描かれます。個々のキャラクターがどんな壁にぶつかり、どんな音を鳴らそうとしているのか。アニメ放送前に原作を読むことで、細やかな伏線や心理描写を先に味わえるのは、ファンとして大きな優越感になるでしょう。

さらに、原作ではアニメでは表現しきれない舞台裏の会話やモノローグが数多く描かれています。キャラクターの“本音”が見えることで、ストーリー全体の理解が格段に深まります。これはSEOで検索されやすい「アニメどこまで」「原作対応表」という疑問に直結する部分でもあり、読者にとっても価値の高い情報です。

つまり、『青のオーケストラ』を完全に楽しむにはアニメと原作の両輪が不可欠。アニメで音の迫力を体感し、原作でキャラクターの心の奥に触れる。この二重の体験ができるのは、今このタイミングで作品に出会った人だけの特権です。

『青のオーケストラ』をもっと楽しむための視点

演奏曲リストとクラシック入門としての魅力

『青のオーケストラ』が特別な存在である理由のひとつに、クラシック音楽そのものが物語の中で大きな役割を果たしている点があります。アニメ第1期では、ドヴォルザーク「新世界より」、ドヴォルザーク「ユーモレスク」、パッヘルベルの「カノン」など、誰もが一度は耳にしたことのある名曲がストーリーを彩りました。各エピソードのサブタイトルやシーンで楽曲が象徴的に配置され、キャラクターの心理や人間関係が音楽で表現されるのです。

例えば「ユーモレスク」は、青野一の揺れる心をそのまま音にしたかのように響き、「新世界より」は部全体がひとつの和声を目指していく象徴的な楽曲として描かれました。アニメを観るだけで、自然とクラシック音楽の入門編としての役割を果たしてくれるのも、この作品ならではの魅力です。

また、アニメでは声優と実演奏キャストを分け、実際のプロ奏者による演奏をそのまま使うことで、音楽の“本物感”が視聴者の耳に届きます。音楽を知らない人でも「この曲、聴いたことある！」という親近感から入り込みやすく、クラシック初心者にとって理想的な入り口になるのです。

こうした演奏曲リストを意識して追いながら視聴すると、ただ物語を追うだけでなく、「クラシック音楽ってこんなに人の心を動かすんだ」と新しい発見が生まれます。『青のオーケストラ』は単なる青春ドラマではなく、クラシックを日常に引き寄せてくれる“音楽入門書”でもあるのです。

だからこそ、作品を観終わったあとにSpotifyやYouTubeで同じ楽曲を聴き返すと、青野たちの想いが蘇る。音楽と物語が完全にリンクするこの感覚は、『青のオーケストラ』だからこそ体験できる贅沢です。

モデル校や取材背景から読み解くリアリティ

『青のオーケストラ』はフィクションでありながら、取材やモデル校をベースにしたリアリティのある描写が特徴です。特に編集担当の取材背景として言及されている千葉県の幕張総合高校シンフォニックオーケストラ部は、全国的にも有名な強豪校。部員数が多く、実際に大規模な演奏会を行う文化を持っています。物語の舞台である海幕高校オーケストラ部のスケール感や雰囲気は、このモデル校の影響を色濃く受けていると言われています。

取材を通じてリアルな部活風景や練習過程が反映されているため、描写に“嘘くささ”がないのが魅力です。練習での音程合わせ、パートごとの役割、定期演奏会や全国大会に向けた流れ──それらが現実の高校オーケストラの活動に忠実であることで、視聴者は自然と作品に没入できます。

また、作者・阿久井真が原作漫画で描くキャラクター同士の人間関係も、取材を基盤にしているからこそリアルに響きます。部員同士の衝突や、先輩・後輩の立場による葛藤は、読者や視聴者に「自分の部活でもこういうことあった」と共感させる力を持っているのです。

アニメ制作スタッフもこのリアリティを大切にし、演奏シーンは指の動きまで細かく描き、演奏キャストにはプロのオーケストラが起用されています。まるでドキュメンタリーのような緻密さで描かれるからこそ、『青のオーケストラ』はただの音楽アニメではなく“青春のリアリティを持ったオーケストラ群像劇”として評価されています。

モデル校や取材背景を知ることで、作品を観る眼差しは一気に変わります。「ここまで徹底して作られているのか」という驚きと同時に、現実世界と物語世界が重なり合い、自分もそのオーケストラ部の一員になったような感覚が生まれるのです。

まとめ：『青のオーケストラ』が響かせる青春の調べ

音楽と青春が重なる瞬間にこそ宿る物語の輝き

『青のオーケストラ』は、ヴァイオリンの旋律を軸にした青春ドラマでありながら、単なる音楽アニメを超えて人生の再生と人間関係の調律を描いた作品です。青野一という“元天才”が再びヴァイオリンを手に取り、仲間と共に音を鳴らす過程は、誰にとっても心の奥を揺さぶる物語となります。そこには「音楽は人の心を映す鏡である」という真理が込められているのです。

第1期では、秋音律子との出会いから始まる再生の物語と、佐伯直というライバルとの衝突が描かれました。第2期は全国大会編へと進み、合奏という青春の縮図がさらに大きな舞台へと広がります。Galileo Galileiが担当する新たなオープニング主題歌が、物語の新章を象徴するのも大きな注目点です。

クラシック音楽の名曲が物語とシンクロし、原作漫画にはアニメでは表現しきれない余白や細やかな心理描写が存在する──その両輪によって『青のオーケストラ』は他にない深みを持っています。アニメで「音の迫力」を体感し、原作で「心の内面」を読み取る。その両方を行き来することで、作品の魅力は無限に広がっていきます。

そして忘れてはならないのが、この作品が持つリアリティ。モデル校である幕張総合高校オーケストラ部の取材背景や、プロ奏者による演奏起用といった事実が、物語に説得力を与えています。フィクションと現実が響き合う瞬間、視聴者の胸には「これは自分の物語でもある」という実感が生まれるのです。

『青のオーケストラ』は、青春と音楽が重なり合った瞬間に宿るきらめきを、私たちに鮮やかに届けてくれます。それは単なる鑑賞体験ではなく、“もう一度青春を生きる”感覚。アニメを観て、原作を読み、そしてクラシック音楽を聴き直す──その全てが、この作品を心から楽しむための旅路なのです。

原作とアニメを併せて楽しむことで広がる世界

『青のオーケストラ』を最大限楽しむ方法は、アニメと原作の両方に触れることです。アニメはNHK Eテレで放送され、第1期が全24話、第2期が全21話と大規模に展開。映像と実演奏によってクラシック音楽の力強さをリアルに体感できます。一方で原作漫画は、巻末のおまけやモノローグなど、アニメでは描かれない“キャラクターの素顔”に触れられる点が大きな魅力です。

アニメ第1期はおおよそ原作6巻までを描き、第2期は7巻以降の全国大会編が中心となるため、「原作を読むことでアニメの先を知る」楽しみ方が可能です。最新刊は第12巻（2025年3月発売済み）、さらに第13巻の発売も予定されており、アニメとの対応関係を確認しながら読み進めると理解が格段に深まります。

また、原作でしか触れられないセリフのニュアンスや、キャラクターの心の奥に隠された葛藤は、アニメを観直したときに新たな発見を生み出します。その相互作用によって、『青のオーケストラ』という物語は二重にも三重にも響き合う立体的な体験へと進化していくのです。

アニメと原作を併せて楽しむことは、ただの二度見ではありません。まるで同じ楽曲を異なる演奏者で聴くように、同じ物語がまったく違う輝きを放つ瞬間に出会えるのです。これは読者・視聴者だけが味わえる特権であり、作品世界をより深く愛するための最良の方法です。

『青のオーケストラ』は、音楽のように何度も聴き返す価値のある物語。アニメで心を震わせ、原作でその余韻を確かめる。その往復こそが、この作品の真の楽しみ方であり、ファンにとって最高の贅沢なのです。

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